Владимирская школа

Становление школы

Явление зародилось в конце 30х – начале 40х годов XX века, когда художники Владимирской области, такие как И. С. Куликов, А. И. Врягин, Н. П. Клыков, А. Ф. Котягин, К. И. Мазин, Д. И. Рохлин, начинают исследовать возможности цветового выражения красот среднерусской глубинки и ее природы. Во многом этот процесс осложнялся давлением, которое оказывала партия на творческих людей. В ту эпоху господствовал соцреализм с его парадным настроем, пафосом, однотонностью и шаблонностью. Используемые художественные средства выразительности тоже были строго регламентированы, а отступление от линии партии могло привести к реальным проблемам. Впрочем, это не мешало владимирским художникам экспериментировать и все-таки создавать свои работы по своим канонам. Именно в ту эпоху впервые стали проявляться отличия их техники.

К концу сороковых годов первое поколение художников ушло – большинство из них были пожилыми людьми, родившимися еще в XIX веке. Но на подходе была новая, свежая кровь, которая продолжила эксперименты мастеров первой волны. В этот период заявляют о себе Н. И. Шишаков и И. К. Балакин – появляются первые работы, художники принимают участие в выставках. В 1948 году, на четвертой областной выставке молодых художников демонстрирует свои работы К. Н. Бритов – один из трех ключевых персонажей, которые сформируют владимирскую школу живописи. Чуть позже, через год, заявит о себе второй художник этой плеяды – В. Я. Юкин. Третий художник, чье имя также неразрывно связано с владимирской школой, В. Г. Кокурин присоединится к ним лишь спустя почти 10 лет, в конце 50х. К этому времени Бритов уже является членом Союза художников СССР, и оба они – Бритов и Юкин – привозят свои картины на республиканские выставки в Москве. С этого периода к владимирской школе начинает приходить признание. В конце 50х трио художников-единомышленников Бритов – Юкин – Кокурин становятся ядром нового художественного образования советской школы живописи. Во Владимире складывается творческий союз живописцев. Позже к ним присоединятся другие серьезные мастера – Н. Мокров, В. Егоров, В. Калинин, А. Кувин, В. Кувин, М. Левин, Н. Модоров, В. Телегин, Е. Телегин, В. Титов и другие.

Это были молодые художники, прошедшие войну, что не могло не отразится на их творчестве. В их картинах отражена жизнь, переполнявшая их сознание, послевоенное облегчение и радость от самого осознания того, что они живы. Творческий союз изучал и черпал вдохновение в работах русских мастеров прошлого: А. И. Куинджи, П. И. Петровичева, И. Э. Грабаря, К. Ф. Юона, Л. В. Туржанского, А. А. Рылова. Вместе с тем каждый из владимирских живописцев ставил свои эксперименты и искал свой стиль. Так, например, В. Кокурин занимается исследованием возможностей передачи состояний атмосферы и воздуха, ее влияние на очертания предмета и оттенки цветов; В. Юкин сосредоточился на выражении эмоциональных состояний через изображение состояний природы; К. Бритов экспериментирует с цветом, ищет и находит яркие палитры, способные передавать настроение, изучая приемы так называемого «фактурного письма».

Настоящий успех пришел к владимирской художникам после Первой республиканской выставки «Советская Россия», прошедшей в 1960 году. Именно тогда специалисты начнут утверждать появление художественного явления, получившего название «владимирская школа живописи». Искусствоведы и критики отмечали общность эстетических взглядов, художественного стиля и методов при том, что почерк каждого художника отличался уникальностью и имел свои собственные характерные черты.

В 1970 в Москве состоялась групповая выставка картин В. Юкина, К. Бритова, В. Кокурина, Н. Мокрова, Н. Модорова и В. Егорова. Впервые для публики прошла демонстрация картин владимирской школы в полном объеме. Критиками в прессе отмечалось, что «…картины притягивают внимание подчеркнутой яркостью красок, пониманием принципов декоративности и усиления этого впечатления грубой фактурой, «шершавостью» грунтов, благодаря смешению цветовых пятен создается ощущение оптической «вибрации» цветов. Подобный стиль характерен для импрессионистов, например, К. Коровина, И. Грабаря, но в пейзажах владимирских художников он встроен удачно и органично…». Искусствоведы дают высокую оценку работам.

Впрочем, встречалась и критика. Например, в «трафаретности», стандартности и сужении горизонтов владимирских художников упрекали в публикациях 1964 года, а в 1970 их творчество подверглось «разносу» со стороны председателя правления Союза художников РСФСР Г. М. Коржева. По его словам, «владимирская школа» — явление, искусственно раздутое прессой, а сами художники «топчутся на месте», и, вопреки сложившейся традиции «утверждения новых принципов во имя приближения к правде жизни», делают что-то противоположное.

Однако, в 70х издается монография «Владимирские пейзажисты», полностью реабилитирующая владимирских художников. В ней описывается весь накопленный опыт мастеров. В 1980 году издается репродукций В. Юкина, а несколькими годами позже выходят монографии, посвященные Бритову и Кокурину. Так в сознании критиков и общества закрепляется признание владимирской школы изобразительного искусства.

Особенности содержания и изобразительной техники

Мастера владимирской школы в своем творчестве не сразу обрели те черты, за которые они стали известны. С одной стороны, корни их приемов растут из традиционного искусства иконописи, лаковой миниатюры, владимирской глади и многих других направлений. С другой стороны – пейзажная техника классиков русской живописи. В итоге получившийся художественный сплав из традиций народных промыслов и мастерства живописцев прошлого привели к использованию уникальной цветовой палитры и приемов, нехарактерных для пейзажа и не использовавшихся ранее.

Главной темой полотен владимирских художников стала жизнь российской глубинки. Небольшие деревни и районные центры, улицы, базары, поля, леса и перелески становятся тем, в чем художники видят полноту жизни, провинциальной и тихой, но вместе с тем – брызжущей силой и яркими красками. Художники активно используют «открытые» тона, что становится вызовом устоявшимся канонам пейзажной живописи, которые предполагали достаточно монохромный колорит. К такому решению художники пришли не сразу – в начале 50-х они все еще работают в стиле традиционного соцреализма и пейзажной живописи XIX века. Тогда еще были характерны принятые «сближенные» тона, но цвета были более мягкие, бело-серебристые, жемчужные,

создававшие легкую меланхоличную атмосферу, что, видимо, отражало настроения художников в те годы.

Однако позже начинаются многочисленные эксперименты. Искусствоведы отмечают, что поиски цветовых решений и наращивание яркости красок привели художников к необходимости нестандартного решения некоторых задач. Например, создание ощущения пространства потребовало использование «открытых» тонов не только на переднем плане, но и в дальних планах, фонах. Задние планы становятся такими же интенсивными по цвету, так как малейшее размытие или ослабление цветовой насыщенности приводит к потере ощущения целостности цветовой палитры. Художники работают над повышением точности подбора цветовых тонов и их сочетаний, и им это удается – у зрителя не исчезает впечатления пространства при взгляде на картины. Центром композиции зачастую является некий объект с наиболее интенсивными цветами, как правило, это здание или дерево. Художники работают над цветовым ритмом, не опасаясь повторять одни и те же тона в разных местах картины. Кроме того, сформировывается еще один важный технический элемент, присущий картинам «владимирцев» — высокий горизонт и высокая точка зрения. При таком приеме возникает ощущение декоративности изображенного на полотне. Небу уделяется довольно мало места, зачастую оно практически отсутствует, появляясь в виде небольшой полосы у верхнего края полотна, либо слегка проглядывает между изображенными зданиями. Часто используется техника пастозной (корпусной) живописи – когда краски наносятся плотными широкими мазками, создавая явно различимые, иногда даже рельефные слои. К 70-м годам владимирские художники окончательно создают узнаваемую манеру изображения. Изображенное пространство сводится к плоскости, композиция максимально проста, все планы сближены, объекты зачастую располагаются по неким уровням, характерно завышен горизонт. Фактура особо рельефна, применяются уникальные объемные грунты, усиливающие впечатление декоративности.

Сегодня

Современные последователи владимирской школы расширяют широту жанров, увлекаясь натюрмортом. А произведения основоположников школы хранятся в главных российских собраниях картин – Третьяковской галерее, Русском музее в Санкт-Петербурге, кроме того, множество работ находится в отечественных и зарубежных музеях и частных собраниях. Это доказывает то, что признание владимирской школы живописи вышло на международный уровень, а талант художников признается и будет популяризоваться еще многие годы.

Купить картины владимирской школы живописи

В коллекции «Русской Антикварной Галереи» вы можете найти картины признанных мастеров владимирской школы живописи. В нашей коллекции присутствуют работы таких мастеров, как Н. Н. Модоров, А. И. Кувин. С фотографиями их представленных работ вы можете ознакомиться на нашем сайте. Кроме того, мы рады сотрудничеству с частными коллекционерами живописи и готовы выкупить ваши картины владимирских художников на условиях взаимной выгоды.

Приходите в «Русскую Антикварную Галерею»! Будем рады вашему визиту.

Антикварный магазин предлагает Вам выбрать картину по параметрам, обратившись к системе фильтров подбора в разделе Купить картину.