Сомов Константин Андреевич

… прошлое всегда остается для нас, в него влюбленных, и историков нашей собственностью, нашим вдохновением.
Сомов К.А.

Вся соль в том, что к изображению старины в старинных формах он привносит нечто такое, чего не встретишь в старинных литографиях и альбомах.
Бенуа А.Н.

От его искусства поднимается острый запах осыпающихся роз и тления.
С. Эрнст

Впечатление необыкновенной изысканности в сочетании красок, большой свежести и тонкости и в то же время чего-то болезненного.
Остроумова-Лебедева А.

Сомов до сих пор единственный, кто удостоен в немецкой литературе специальной монографии, о ком дают большие статьи ведущие западноевропейские художественные журналы, чьи иллюстрации, рисунки к обложкам, да и виньетки ищут и дорого ценят немецкие издатели.
Павел Давидович Эттингер, критик и коллекционер

Сомов Константин Андреевич (1869-1939)

Одной из интереснейших фигур в русском искусстве конца XIX — начала XX века был Константин Андреевич Сомов.
Сомов родился в 1869 году в Петербурге, в семье, все члены которой были причастны к искусству. Отец, Андрей Иванович Сомов, много лет работал хранителем коллекций Эрмитажа, занимался исследованием творчества Брюллова и Федотова, коллекционировал у себя дома картины и рисунки старых мастеров. Мать Сомова была хорошей музыкантшей. Мальчик занимается музыкой, поет, рисует, увлекается театром.
В 1889 году он поступает в Академию художеств и учится в ней до 1897 года. Первые пять лет сам он считает потерянными. После преобразования Академии в 1894 году, Сомов попадает в мастерскую Репина. Годы, проведенные в мастерской Репина, Сомов считает для себя очень полезными, хотя со временем начинает относиться к своему учителю и критически.
Русская художественная школа того периода находилась на распутье. Ниспровергнув одряхлевшие нормы классицизма, академическую муштру, преподаватели-передвижники работали по вдохновению, по интуиции, и фактически уже исчерпали себя к началу XX века.
Лучшие из учеников видят недостатки школы и ищут выхода в индивидуальных поисках или едут учиться за границу. Так было и с Сомовым.
Его академические работы отличаются упрямой независимостью и своеобразием. Эскиз «Около пруда», известен сейчас под названием «Дама у пруда» — одна из первых ретроспективных работ Сомова. Незаконченная и несовершенная «Людмила в саду Черномора» и сейчас поражает своеобразием пластического решения, настоящей фантасмагорией форм, красок, фактур. Обе картины говорят о своеобразии и творческой зрелости искусства Сомова. Обе ведут к колыбели «Мира искусства», к кружку Александра Бенуа, с которым молодой художник сближается в 1892 году, хотя многих его членов знает еще по частной гимназии К. Мая. Этот кружок, а не Академия формирует мироощущение художника, его взгляды на искусство.
В 1897 году он покидает, не закончив, Академию художеств и едет в Париж. Там занимается в частных студиях, работает над натурой без преподавателей, но, главное, изучает музеи и памятники архитектуры в тесном контакте с А. Бенуа, Л. Бакстом, Е. Лансере, А. Остроумовой и некоторыми другими.
В 1898 году — а это первый год существования журнала «Мир искусства» — появляется первая статья о творчестве Сомова. Она написана Александром Бенуа и удивительна почти исчерпывающей полнотой анализа. Между тем речь в ней идет о художнике, который только начал работать самостоятельно.
Бенуа указывает на влияние английской и немецкой графики (Бердслей, Кондер, Гейне). В действительности круг воздействий, которые испытал художник, шире, он охватывает как современное, так и старое искусство, включая сюда французскую живопись XVIII века с ее тонкой грацией (Ватто, Ларжильер), малых голландцев, влюбленных в мелочи быта, русское искусство первой половины XIX века, Федотова с его поэтизацией и гротеском, венециановскую школу с ее уютными интерьерами, отчасти импрессионизм в таких его проявлениях, как искусство Дега.
Сомов рано формируется именно как художник «Мира искусства». Уже в Академии художеств определяется его особое пристрастие к некоторым жанрам, излюбленным всеми мастерами этого круга, которое сохранится на всю жизнь: пейзаж, интерьер, портрет, ретроспективная картина, оформление книги. И через все жанры пройдет и любовь к прошлому.
Первые опыты Сомова в искусстве словно бы подхватывают поиски усложнения видения натуры, начатые в середине 80-х годов молодыми тогда художниками — Левитаном, Серовым, К. Коровиным. Их сближает интерес к свету, воздуху, пространству, словом, к пленэру.
Пейзаж и пейзажные элементы — свет, воздух, пространство — приобретают особую значимость уже в раннем творчестве. Это примета искусства его времени. Пейзаж присутствует как важный компонент во всех жанрах.
В «Весеннем пейзаже» нет ничего, кроме совсем юного деревца — прутика с едва проклюнувшимися листьями,- но это одна из самых поэтических работ Сомова, в ней сконцентрированы робость ранней весны, удивление перед скромным чудом вновь расцветающей природы.
Мотивы сомовских пейзажей — парки и сады, огороды, луга, опушки леса, «дачная» природа, место отдыха горожанина. И есть в любви художника к ней разнеженность горожанина, вырвавшегося из душного, грохочущего города.
В начале 900-х годов появляется целый ряд пейзажей, вызывающих аналогии с работами «Союза русских художников». Здесь уместно вспомнить, что в 1903 году «Мир искусства» перестает существовать как выставочное объединение и художники-петербуржцы сливаются с москвичами в единый «Союз русских художников», представление о котором связывается сейчас с именами Жуковского, Виноградова, Архипова и других московских живописцев, тяготеющих к импрессионизму.
Один из самых лучших пейзажей этого времени — «Вечерние тени». Сомов начал над ним работать в 1900 году, а кончил в 1917-м. В нем есть характерная для многих пейзажных работ художника композиционная завершенность. Точка зрения сверху вниз, излюбленная Сомовым, здесь дает возможность ощутить обширность луга, замкнутого с нескольких сторон кустами.
Тема радуги, так же как тема костра и фейерверка,- одна из ведущих в искусстве Сомова. Почти так же часто, как радугу, Сомов пишет таинственные сумерки с их контрастами света и тьмы.
«Пейзажное» решение свойственно одному из ведущих у Сомова жанров — интерьеру. Главной во многих из них становится проблема света, воздуха, пространства.
Интерьеры часто строятся на контрасте затененного первого плана и ярко освещенного второго — солнечного, зеленого пейзажа за окном или дверью. И в таких интерьерах Сомов любит бытовые детали — интимные, старые вещи, мебель, детские игрушки.
Иногда вещи господствуют. Это превращает интерьер в натюрморт, чаще всего говорящий о любви художника к предметам редким, антикварным, хранящим в себе мирную прелесть старого уклада.
Пейзаж и интерьер — излюбленный Сомовым фон для ретроспекций и портретов. Все эти жанры взаимно проникают друг в друга, переплетаются.
Сомов вошел в русское искусство как умный и тонкий портретист, внесший много нового в этот трудный жанр. Ранние портреты художника вызывают аналогии с типом пленэрного портрета, появившегося в русском искусстве в середине 80-х годов XIX века.
Художник создает новый тип портрета — ретроспективный. Своих современников он пишет в платьях ушедших эпох, на фоне старых парков. Таков, например, портрет Анны Карловны Бенуа, жены художника А. Бенуа, в платье начала XIX века (1896). Портрет художницы Е. Мартыновой — «Дамы в голубом» — это бесспорная удача, вершина его творчества. «Дама в голубом» трагически одухотворена, устала, надломлена. Она больна, и художник поэтизирует ее одиночество, болезнь. В «Даме в голубом» воплощается эстетическое кредо раннего «Мира искусства» — требование, чтобы основным объектом искусства стала личность художника. Портрет становится поэтической метафорой, вмещающей в себя неудовлетворенность действительностью, мечту о прекрасном — то, что было свойственно значительной части русского общества рубежа веков. Портрет А. П. Остроумовой-Лебедевой не получил столь широкого признания, как «Дама в голубом». Но по своим пластическим качествам, по зрелости и совершенству мастерства он лучший из сомовских живописных портретов.
В начале второго десятилетия двадцатого века Сомов пишет несколько заказных портретов дам, принадлежащих к верхушке буржуазии и чиновничества (в 1911 г.- Е. П. Носову и Г. Л. Гиршман, в 1913 г. — М. Я. Карпову, в 1914г. — Е. П. Олив), вдохновляясь при этом искусством старых мастеров парадного портрета. В некоторых из портретных композиций он использует овальный формат, любимый искусством XVIII века, но возродить парадный портрет ему не удается.
Обширный раздел творчества Сомова составляют портреты, выполненные карандашом, часто с подцветкой акварелью, гуашью, цветными карандашами или белилами.
Сомов часто обращается к автопортрету. Он относится к себе с холодной пытливостью, как к постороннему. Почти во всех автопортретах есть налет «дендизма». Он проявляется как в облике Сомова, изысканности его одежды, так и в щегольстве графической манеры, колорита произведения.
В 1900 — 1910 годах Сомов выполняет серию графических портретов представителей русской интеллигенции. Он рисует поэтов Вячеслава Иванова (1906), Александра Блока (1907), Михаила Кузмина (1909), художников Евгения Лансере (1907), Мстислава Добужинского (1910), писателя Федора Соллогуба и других.
Ряд портретов этой серии отличается определенным стилистическим единством (Блока, Лансере, Добужинского). Они соединяют в себе холод отвлеченности, идеальности с живым физиономическим и психологическим своеобразием, условность с иллюзорностью, обобщенность с детализацией.
Карандашные портреты — это только одна из многих областей творчества Сомова, в которых проявилось его мастерство графика.
Понятие «графика» в русском искусстве конца XIX века возникает в связи с оформлением книги. Искусство оформления и иллюстрирования книги в этот период начинает возрождаться после долгого застоя, и самое активное участие в этом процессе принимают художники «Мира искусства». Их усилиями создается книга как цельный организм, в котором рисунки, так же как и другие элементы — шрифт, формат страницы, обрез, фактура и цвет бумаги,- находятся в соподчинении.
Первые опыты художника в области оформления книги были связаны с работой над созданием журнала «Мир искусства». Для этого журнала, а позже для «Художественных сокровищ России» и других периодических изданий, Сомов рисует обложки, фронтисписы, заставки, концовки.
Его капитальная работа в этой области — оформление и иллюстрирование «Книги маркизы» Ф. фон Блей. Сомов выполняет ее по заказу Мюнхенского издательства и возвращается к ней несколько раз, не удовлетворенный первым изданием. Виньетки, заставки, словом, элементы книжного украшения к «Книге маркизы» изящны, остроумны. Сомов использует в них излюбленный XVIII веком черно-белый силуэт, стилизованные «китайские» мотивы для рамок, украшающих текст, и характерный для его собственной графики линейный рисунок, иногда прописанный акварелью. Иллюстрации к «Книге маркизы» — это часто самодовлеющие композиции, напоминающие произведения станковой графики своей завершенностью, «досказанностью» и царящей в них «сомовской» атмосферой.
На тему «Графа Нулина» Пушкина Сомов делает несколько рисунков, в которых много «сомовского» и мало пушкинского.
В русском искусстве своего времени Сомов — основоположник «чистой» графики, то есть мастерства контурной линии, обобщающей и отвлеченной, декоративно-выразительной, обыгрывающей плоскость листа.
Удивительным по своей причудливости хитросплетением линий являются многие книжные украшения Сомова. Предлогом для рождения орнамента часто служат украшения старинного дамского туалета — веера, страусовые перья, ожерелья, цветы и тому подобное. Капризность, вычурность, изнеженность форм сближают сомовскую графику малых форм со «стилем модерн».
Часто Сомов, как и другие графики «Мира искусства», использует черно-белый силуэт. Но так же часто линейный рисунок он соединяет с цветом, подкрашивая его акварелью, гуашью или цветными карандашами.
Работая над обложками, фронтисписами, титульными листами (самые известные из них -обложка для книги стихов Бальмонта «Жар-птица, свирель славянина», 1907; фронтиспис книги стихов В. И. Иванова «COR ARDENS», 1907; титульный лист книги «Театр», 1907), Сомов, как правило, концентрирует смысл книги в рисунке, являющемся образным эквивалентом идеи.
Нельзя не восхищаться также «малыми формами» сомовской графики — миниатюрами, экслибрисами, виньетками для театральных программ. Он выполняет также эскизы для табакерок, шкатулок, вееров, ювелирных украшений, вышивок. Как все художники его круга, он не гнушается прикладным искусством, тем самым внося свою лепту в дело возвращения искусства из музеев в жизнь, в быт. Именно в отрыве искусства от быта «мирискусники» видели причину его упадка.
В «малых формах» Сомов — «великий бог деталей»!
Сомов — мастер орнамента, изощренного по формам и краскам, ювелирность которых он усиливает, вводя в них золото и серебро.
Большинство графических работ Сомова сюжетны. Многие из них имеют ретроспективную окраску.
Сомов обращается к ретроспективному жанру очень рано, еще в Академии художеств.
Во многих ретроспекциях второй половины 90-х годов восхищение художника прелестью природы так велико, что именно оно и является их содержанием. Таковы сизые от тумана «Сумерки в старом парке» или уютные «Конфиденции», где, насладившись своеобразием каждого дерева и куста, неповторимостью их цвета, формы, фактуры, Сомов сливает всех их в стройный хор, славящий жизнь. Близки к «Конфиденциям» по характеру решения более поздние «Купальщицы», одно из самых свежих, счастливых по мироощущению полотен Сомова.
Велика роль пейзажа и в картине «Семейное счастье. На даче». Сомов наслаждается здесь изысканными гармониями цвета, обогащенного игрой фактур — сопоставлением глади площадки, ряби кустарников, шероховатости крыши. Подробнее, чем в других работах, он разрабатывает сюжет.
Противопоставление прекрасной природы суетному и жалкому человеческому быту характерно для творчества многих художников «Мира искусства». В картинах из цикла «Влюбленные» Сомов часто пользуется приемом контраста поэтически одухотворенного пейзажа и чувственности людей.
Одновременно с ретроспекциями, где природа — главный источник настроения, возникают другие. В них человеческие фигуры претендуют на первенство, а пейзаж либо отсутствует, либо становится фоном, декорацией, рамкой, приобретает часто черты условности, декоративности, фантастичности.
Сомов часто обращается к гротеску, особенно в ретроспекциях, где преобладают человеческие фигуры.
Стилистически завершенной предстает сомовская «реальность» в картине «Вечер» (1902). Все здесь отвечает единому стройному и церемонному ритму: повторы аркад, чередование уходящих вдаль плоскостей боскетов, замедленные, словно ритуальные, движения дам. Даже природа здесь — произведение искусства, несущее черты стиля, навеянного XVIII веком. Но прежде всего это «сомовский» мир, зачарованный, странно статичный мир золотого неба и позолоченных скульптур, где человек, природа и искусство пребывают в гармоническом единстве.
Современники восприняли «Вечер» как противопоставление действительности. Ретроспекции Сомова часто имеют оттенок фантастически-вымышленный, фантазии почти всегда имеют оттенок ретроспективный.
Сюжетом многих сомовских ретроспекций становится дама, похожая на героиню «Волшебства», с таким же странно некрасивым лицом (антитеза салонной миловидности женского типа?). Она всегда кокетлива, томно-жеманна или нервно-экзальтирована, часто позирует в старинном кресле, играет веером, завязывает шарф, гладит любимую собаку, читает любовное письмо, предается чувственной полудремоте.
«Эхо прошедшего времени» — называется одна из самых значительных работ этого жанра. Здесь, как и в портрете «Дамы в голубом», художник соединяет реальное и фантастическое, прошлое и современное, романтическое и бытовое. Но на сей раз героиня более условна по манере выполнения. Она кажется тенью прошлого, посетившей старинный дом, где некогда обитала. Зато интерьер в картине жизненно убедителен. К числу лучших сомовских «дам» относятся еще «Спящая женщина в синем платье» и «Дама в розовом платье».
Вымышленные портреты дам, как и все жанры в творчестве Сомова, претерпевают эволюцию. Поздние «дамы» заметно хорошеют, но утрачивают загадочную притягательность ранних дурнушек, заключавшуюся в напряженности их внутренней жизни.
Эротика — один из важных компонентов искусства Сомова. В любви он видит основу жизни, основу искусства. Художник часто касается самых интимных сторон человеческой жизни. В этом знамение времени: искусству все позволено.
В изображении влюбленных художник также прибегает к гротеску, но это уже не способ изживания будней в быте, а, скорее, средство деромантизации. Гротесково изломанные фигуры влюбленных, утрированно бессмысленные лица несут на себе печать иронии.
Кризисность мироощущения Сомова обостряется в период после поражения революции 1905 года. Картины из цикла «Фейерверки» становятся словно квинтэссенцией жизни общества, доживающего последние дни. Сознание обреченности придает особую остроту ощущениям, и действительность становится праздником, полным чувственных соблазнов, манящих красок. В нервном изломе поз, движений — неотступность мысли о гибели, конце.
Сам выбор темы маскарада современники понимали как способ показать мнимость праздничной личины жизни, скрывающей ее истинный грозный лик. Той же цели служили темы театра и «балаганчика». Они широко использовались в изобразительном искусстве, поэзии, драматургии.
Пленэрность ранних работ в произведениях этого времени часто сменяется театральной условностью освещения. Старинные парки окрашиваются огнями фейерверков в фантастические голубые, розовые и фиолетовые тона, сообщающие миру музыкальную зыбкость и таинственность.
Героями «Фейерверков» Сомов избирает персонажей итальянской комедии масок, любимых искусством конца XIX — начала XX века: ловкого и удачливого Арлекина, бледного, безвольного неудачника Пьеро, легкомысленную Коломбину. Любовная комедия, которую они разыгрывают,- намек на неизменность и повторяемость человеческих страстей.
В безукоризненности мастерства, виртуозности выполнения ретроспекций 1910-х годов начинает ощущаться предвестие творческого тупика. Сомов повторяет одни и те же композиционные приемы и светоцветовые эффекты. Так, например, в ряде картин из серии «Фейерверки» («Арлекин и дама», 1910; «Пьеро и дама», 1910; «Арлекин и дама», 1912) художник варьирует один и тот же тип композиции-дерево-кулиса на первом плане, около нее крупным планом освещенные огнем фейерверка фигуры героев, просвет в глубину, где в сложном чередовании света и тени двигаются маленькие фигурки ряженых кавалеров и дам.
Во втором десятилетии века ретроспективная живопись Сомова переживает кризис. Она становится сухой и жесткой, пестрой и слащавой.
Все реже удачи. Одна из них «Зима. Каток» (1915). Алый и изумрудный — краски, которые в «Вечере» звучали так гармонично в зеленом полумраке парка,- теперь открыты, обнажены, в них есть нечто резкое и будоражащее. В картине больше повествования, чем в ранних ретроспекциях.
Но то, что так легко давалось Сомову в пейзажах с натуры, теперь ускользает. Безыскусственность оборачивается претенциозностью. Назойливой и нарочитой становится идилличность «Радуг», «Летних утр», «Свиданий», «Купальщиц».
«Летнее утро» 1920 года звучностью красок, бодростью чувства близко к послереволюционным работам Кустодиева и Петрова-Водкина. Но в отличие от этих художников Сомов не сумел себя найти в новой жизни. В 1924 году он покинул Советский Союз, чтобы больше не вернуться. Оставшиеся до смерти пятнадцать лет он жил и работал в Париже.
Сомов умирает в 1939 году в нищете и безвестности.
Он стал в искусстве выразителем одного только исторического периода — «конца века», времени крушения в области общественной жизни, философии, искусства старых идеалов, отсутствия новых и порожденных этим настроений уныния, отчаяния, напряженных поисков прекрасного идеала.

Русский художник, представитель русского символизма и модерна. Родился в Петербурге 18 (30) ноября 1869 в семье известного историка искусства А.И.Сомова, который долгое время был старшим хранителем Эрмитажа. В 1888-1897 учился в петербургской Академии художеств, где занимался, в частности, в мастерской И.Е.Репина. В 1897-1899 посещал в Париже школу-студию Ф.Коларосси; в этот период познакомился с А.Н.Бенуа и рядом других «мирискусников». Испытал большое влияние графики западного модерна (О.Бёрдсли), а также живописи французского рококо. Был членом объединения «Мир искусства».

Как живописец получил известность портретами, но в первую очередь жанровыми сценками, воскрешающими жеманный мир придворных балов и маскарадов «галантного» 18 столетия («Дама в голубом платье».1897-1900; «Вечер», 1900-1902; «Зима. Каток», 1915). Современный взгляд сочетается здесь с ретроспекциями былого романтически-причудливо. Внутренне-ирреальны, подобно некоему натурному видению, даже и вполне повседневные, а не исторические пейзажи мастера («Радуга», 1908). Напротив, сугубо реальны — своей интеллектуальной энергией — созданные им образы людей творчества (написанные в смешанной технике портреты А.А.Блока, М.В.Добужинского, М.А.Кузмина, Е.Е.Лансере, Ф.К.Сологуба, 1907-1910), по праву считающиеся предельно объективными.
Свободно работая в разных техниках, Сомов как художник-оформитель внес выдающийся вклад в искусство книги, где свойственный его манере привкус черного гротеска проступил еще острее. Исполнил целый ряд обложек и фронтисписов к изданиям символистской поэзии (книгам К.Д.Бальмонта, Блока, В.И.Иванова и др.); из его иллюстративных циклов наиболее известны «Граф Нулин» А.С.Пушкина (1899), «Невский проспект» и «Портрет» Н.В.Гоголя (1901), «Книга маркизы» Ф.фон Блей (1908) (вышедшая в полном «эротическом варианте» в 1918). Создавал также изысканно-«рокайльные» эскизы фарфоровых статуэток («Дама, снимающая маску», 1906; и др.).
Выехав в 1923 в командировку в Нью-Йорк, художник в 1925 обосновался во Франции, где жил в столице, а летом на ферме Гранвилье в Нормандии. По-прежнему плодотворно работал как живописец и график-станковист, равно как и иллюстратор: циклы «Манон Леско» А.Прево (1926) и «Дафнис и Хлоя» Лонга (1930).
Умер Сомов в Париже 6 мая 1939.

ТЕМЫ И СЕРИИ

— Пейзаж
— Портрет
— Графические портреты современников
— «Ретроспективный» портрет
— Интерьер
— Арлекинада
— Мир прогулок и фейерверков
— «Сомовская дама»
— «Галантный» жанр
— Маскарад
— Книжная графика
— «Книга маркизы»
— «Влюбленные»
— «Эротизм» сюжета
— «Пасторальный» жанр
— Купальщицы
— Радуга
— Натюрморт в жанре
— «Зеркальное» отражение
— Ювелирный орнамент
— Фарфор
— Театр

МУЗЕИ

ГТГ, Москва
Частное собрание
Гос. Русский музей, Санкт-Петербург
Музей Ашмолеан, Оксфорд
Одесский худ. музей
Музей А.С.Пушкина, Москва
Музей-квартира И.И.Бродского, Санкт-Петребург
Нац. галерея Армении, Ереван
Нижегородский гос. худ. музей
Саратовский худ. музей
Астраханская обл. картинная галерея
Музей Гос. фарфорового завода им. М.В.Ломоносова
Горловский худ. музей
Гос. музей Республики Татарстан, Казань
Гос. театр. музей им. А.А.Бахрушина
Днепропетровский худ. музей
Кемеровский обл. музей из. ис-ва, Новокузнецк
Кировский худ. музей им.Васнецовых
Костромской гос. объединенный худ. музей
Музей Института русской литературы
Пермская худ. галерея
Приморский кр-вой музей, Владивосток
Псковский музей-заповедник
Рязанский обл. худ. музей
Ярославский худ. музей

Отец художника, А. И. Сомов, много лет состоял в должности хранителя коллекций Эрмитажа. Дом наполняли картины и рисунки старых мастеров, которые долгое время со знанием дела собирал хозяин. Искусством занимались здесь все. Мать К. А. Сомова была хорошим музыкантом и развивала у своих детей интерес к пению, театру, живописи. В одном из первых рисунков Сомова изображены сестра и мать за мольбертами.

В 1889 г. Сомов поступил в Академию Художеств, в стенах которой находился до 1897 г. За этот период произошло преобразование старой педагогической системы АХ, и Сомов оказался зачисленным в мастерскую И. Е. Репина.

Здесь он создал две свои картины: «Дама у пруда» и «Людмила в саду Черномора». В них проявился интерес к ретроспективизму, элегичность, изысканность — то, что впоследствии определяло манеру художника.

В 1897 г., не окончив полного курса АХ, Сомов отправился в Париж, где занимался в частной студии Ф. Коларосси и изучал памятники искусства. Одновременно с ним в Париже учились и работали А. Н. Бенуа, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова и другие «мирискусники».

Особенно сблизился Сомов с Бенуа, который написал о нем первую статью, появившуюся в журнале «Мир искусства» за 1898 г. В этой статье художественный критик подчеркивал влияние на творчество Сомова немецкой графики (О. Бердслей, Ш. Кондер, Т. Гейне), а также воздействие французской живописи XVIII в. (А. Ватто, Н. де Ларжильер), «малых голландцев» и русской живописи первой половины XIX в.

Вернувшись в Россию, Сомов отдал дань портретному жанру. Им были созданы портреты отца (1897), Н. Ф. Обер (1896), А. Н. Бенуа (1896) и А. П. Остроумовой (1901). Вершиной творчества в этот период стал портрет художницы Е. М. Мартыновой («Дама в голубом», 1897-1900), изображенной на фоне пейзажа с флейтистами. Утонченность и надломленность, одухотворенность и поэтичность образа полностью соответствовали эстетическому кредо «мирискусников», воплощая гармонию мечты и реальности. Особое место занимают графические портреты Сомова. Выполненные карандашом с подцветкой акварелью, гуашью, цветными карандашами или белилами, они отличаются виртуозной техникой, лаконизмом композиции и тонкостью колористического решения. Таковы портреты поэтов В. И. Иванова (1906), А. А. Блока (1907), М. А. Кузмина (1909), художников Е. Е. Лансере (1907), М. В. Добужинского (1910) и др.

Помимо портретной графики Сомов работал и в области книжной иллюстрации. В начале XX в. художники «Мира искусства», среди которых был и Сомов, возродили после долгого забвения этот вид искусства. Оформление книги, все ее элементы — шрифт, формат, обрез, обложка, заставки и виньетки — должны были составлять единое целое.
Наряду с другими «мирискусниками» Сомов принимал самое деятельное участие в графическом оформлении журналов «Мир искусства» и «Парижанка», периодического издания «Художественные сокровища России» и др., а также снабдил изящными иллюстрациями и оформил «Книгу маркизы» Ф. фон Блея (1918), используя характерный для XVIII в. черно-белый силуэт и стилизованные «китайские мотивы». Стилизацией, ориентированной на графику начала XIX в., отмечены и его рисунки на сюжет «Графа Нулина» А. С. Пушкина (1899), а также выполненный в том же стилистическом ключе портрет самого А. С. Пушкина (1899), в котором юный потомок арапа Петра Великого представлен в минуты творческого вдохновения. «Мирискуснические» черты — ретроспективизм и интерес к мистификациям — прослеживаются и в иллюстрациях к повестям Н. В. Гоголя «Портрет» и «Невский проспект». Лейтмотивом обложек книг, оформленных Сомовым, всегда была концентрация замысла произведения. Таковы обложка для издания стихотворений К. Д. Бальмонта «Жар-птица, свирель славянина», фронтиспис стихотворного сборника В. И. Иванова «Corardens», титульный лист книги А. А. Блока «Театр» (все 1907) и др. Строгость композиции и декоративная звучность колорита отличают эти работы художника.

Все творчество Сомова пронизывает интерес к пейзажу, будь то портрет, жанровая сцена или интерьер с видом из окна. Его ранние работы — «Сумерки в старом парке», «Конфиденции» (обе 1897), «Поэты» (1898), «Купальщицы» (1899) и др. — отмечены гармонией цвета и игрой фактуры, передающими идиллически-задумчивый, одухотворенный образ природы. Стилизованные пейзажные мотивы с ретроспективным оттенком XVIII в. прослеживаются в таких картинах, как «Вечер» (1902), где ритм повторяющихся аркад и боскетов гармонично сочетается с плавными движениями дам в причудливых туалетах. Чарующий неподвижный пейзаж, плоскост-ный и декоративный, характерен и для картины «Волшебство» (1920) с ее томной и жеманной героиней. Любование и гротеск сопровождают настроение многих ретроспекций Сомова. Таковы картины «Эхо прошедшего времени» (1903), «Арлекин и смерть» (1907), «Осмеянный поцелуй» (1908), «Зима. Каток» (1915).

Помимо живописи и графики художник много и успешно работал в области мелкой пластики, создавая изысканные фарфоровые композиции: «Граф Нулин» (1899), «Влюбленные» (1905)и др. Экспонируя свои произведения на выставках «Мира искусства», СРХ, персональной выставке 1903 г. в Петербурге, на берлинском «Сецессионе» и парижском Осеннем Салоне 1906 г., Сомов приобрел широкую известность. Февральскую революцию 1917 г. художник встретил с радостью, Октябрьскую — сдержанно, но лояльно. И хотя на его антикварную коллекцию была дана охранная грамота, а сам он пережил разруху, довольствуясь продовольственными карточками, работать по-прежнему Сомов уже не мог. Заказов не было, продавать свои картины случайным людям, скупающим их для спекуляции, было для него неприемлемо, поэтому, когда художнику предложили выехать в качестве уполномоченного от петроградцев с Русской выставкой в США, он охотно согласился.

В начале декабря 1923 г. устроители выставки покинули Россию. Сомов тогда даже не предполагал, что больше не вернется на родину. Однако, оказавшись в Нью-Йорке, затем в Париже, вновь в Нью-Йорке и других городах, он был поглощен насыщенной и разнообразной художественной жизнью, встречами с друзьями и единомышленниками. Постепенно втянувшись в круг русской эмиграции, Сомов навсегда остался во Франции. Последние годы жизни художник был тяжело болен, с трудом ходил, но и тогда продолжал интенсивно работать.

Сомов Константин Андреевич

Наш антикварный магазин сегодня проводит большую искусствоведческую работу по поиску, выявлению и сохранению таких произведений, которые, на сегодняшний день, ещё не представлены широкой публике, но, тем, не менее, представляют собой большую редкость. Живопись купить сегодня не составит труда – антикварный магазин в Москве можно увидеть, чуть ли, не на каждой улице, но наш магазин антиквариата имеет все основания считаться одним из лучших в столице. Мы гордимся представленными, только у нас, работами наших дорогих соотечественников.
Этот раздел энциклопедии на нашем сайте содержит сведения о русских и советских художниках, работавших в разное время и в самых разнообразных жанрах. Страничка каждого художника содержит краткую биографию, сведения о достижениях, заслугах и наградах, выделяет основные направления его творчества, и, конечно же, представляет галерею работ. Здесь можно выбрать и купить картину, найдя её по имени автора из алфавитного списка для удобства поиска, а также отсортировать по стоимости, жанру, или размерам.